Música Alrededro del Mundo - Rock Tzotzil Mexicano

Gracias

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A todos los alumnos del Colegio Británico, les agradezco infinitamente el haber colaborado en este proyecto. Nos vamos con un blog visitado en 4 continentes y con mucho qué dar todavía.

Casi 100,000 visitas y muchas más satisfacciones.

Mi ciclo en el Colegio ha concluido, pero les invito a seguir al pendiente y visitando nuestro blog.

A cada uno de los colaboradores les doy un reconocimiento y les saludo.

Me llevo mucho de ustedes y espero haber dejado algo en ustedes.

Vámonos con una superpieza de los maravillosos Beatles, de Lennon y McCartney.

Siempre fue un placer...

 

 

Profe Juan

Música por favor... CLASIFICACION DE INSTRUMENTOS PREHISPANICOS: IDOFONOS

BIEN!!! Ahora hablare de otro tema completamente distinto al anterior, hablare de: clasificaciones de instrumentos prehispanicos que son idofonos, membrafonos y aerofonos esta vez hablare de los idofonos:


Son instrumentos musicales cuyo generador de sonido es el propio cuerpo que vibra. El chicahuaztli es un idiófono que suena con un golpe indirecto de sacudimiento, descrito como “palo de sonajas”. Simbolizaba el rayo solar que fertilizaba la tierra. Era la insignia de Xipe Tótec, el dios de la fecundidad de la tierra. En los amoxtin (códices) está pintado con variantes de forma, tamaño y color, como atributo de otros dioses –los del maíz, la muerte, el viento, la vida y los de la lluvia, así como de la diosa de las aguas que corren, la medicina y el maíz tierno. Como símbolo de la fecundidad, se representa erguido entre la primera pareja humana bajo una manta. En las excavaciones del Templo Mayor se localizaron dos ejemplares.

 El ayauhchicahuaztli, “sonaja o sonajas de niebla”, descrito como tabla con sonajas, procuraba mágicamente la lluvia en la fiesta de etzalcualiztli, “comida de maíz cocido”. En la fiesta de ochpaniztli, “barrido de caminos”, un sacerdote lo ejecutaba junto con un danzante y tres instrumentistas ante Xilonen, “la diosa del maíz tierno”. Con este instrumento “llevan a Acatonal al Tlalocan”, dice el himno a Tláloc. En el Templo Mayor se localizó la punta roja de un ejemplar asociado con Xipe Tótec.


CHICHIHATZLI





El teponaztli es un idiófono de golpe directo, hecho de un tronco de madera ahuecado, con dos lengüetas en la parte superior que forman una H en sentido longitudinal. Se tocaba con dos baquetas con punta de hule llamadas ólmaitl. El teponazoani lo ejecutaba de dos formas: sentado en el piso, colocaba el instrumento sobre un rodete de zacate o tule trenzado; de pie, lo colocaba sobre un soporte de madera con o sin rodete. Los mayas lo nombraron tunkul; los mixtecos, qhu; los zapotecas, nicàche; los otomíes, nobiuy; y los tarascos, cuiringua. Su elaboración evidencia conocimientos musicales que rebasan un nivel primario, ya que las dos lengüetas de ejemplares conservados producen sonidos afinados con intervalos musicales de segunda mayor, tercera mayor o menor, cuarta o quinta. Hay quince ejemplares en el Museo Nacional de Antropología, con apariencia zoomorfa y humana.

 El teponaztli se tocaba en los honores que hacían los viejos, cantando y bailando, a los guerreros principales muertos en la guerra o capturados para el sacrificio, como el guerrero Huitznáhuatl en la derrota de los mexicas ante los tarascos. Marcaba el son de muchos cantos y danzas de la comunidad. Daba el nombre a una clase de cantos llamados teponazcuícatl, “canto al son del teponaztli”. Se utilizó como piedra de sacrificio de cautivos, después de una escaramuza en la fiesta de panquetzaliztli, “levantamiento de banderas”.


Ahora vean como suenan este tipo de instrumentos en este caso las castañuelas:

Carlos p.

Música Por Favor

BOB MARLEY


Como ya se sabe hace algunos días fue el cumpleaños de Bob Marley y de Axl Rose y hablare de Axl en la siguiente publicación junto a su banda Guns and Roses. Por ahora solo me enfocare en Bob Marley (DEP).

Robert Nesta Marley Booker (nacido en Nine Mile, Jamaica, el 6 de febrero de 1945) – (fallecido en Miami, Estados Unidos, el 11 de mayo de 1981) fue un músico, guitarrista y compositor jamaiquino. Fue más conocido como Bob Marley. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & The Wailers (1974–1981). Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial.


 Entre sus mayores éxitos se encuentran los sencillos "I Shot the Sheriff", "No Woman, No Cry", "Jamming", "Redemption Song" y, junto a The Wailers, "Three Little Birds", así como el lanzamiento póstumo "Buffalo Soldier". El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos y 20 millones de copias en todo el mundo. Una de sus canciones mas exitosas tambien fue “Is this love”. La cual se muestra en el siguiente video


DISFRUTENLA Y DESCANSE EN PAZ BOB MARLEY “EL REY DEL REGGEAE”

Carlos Patricio

El Thermin Poliphonico - Un Extraño Instrumento Musical

El instrumento que para tocarlo no hay que tocarlo, es uno de los inventos musicales más curiosos. Su diseño clásico, tal y como lo concibió el ruso Lev Sergeievich Termen en 1920, consiste en una caja con dos antenas. Para interpretar música se tiene que acercar y alejar la mano de cada una de las antenas, sin llegar al contacto. Dos manos, dos antenas.

 

Pero tenemos cinco dedos en cada mano; ¿por qué no extender el sonido del theremin a todos los apéndices de nuestra extremidad, como hacemos con el resto de instrumentos? El theremin no deja de ser un sintetizador de audio. Y de estos instrumentos sabía mucho Robert Mogg (que en paz descanse), el creador del primer sintetizador musical.


El pasado 1 de abril, día de los inocentes anglosajones, los ingenieros de Moog quisieron remover el legado de su visionario fundador y anunciaron de sorpresa “el primer gran avance del theremin, en cuestiones de diseño técnico, en más de 40 años”: un theremin polifónico.

 

 Un instrumento muy curioso y muy apropiado para la música electrónica, observen este video que te muestra como funciona:









http://www.youtube.com/watch?v=stobfk1Mfjk&feature=player_detailpage


Aquí hay otra demostración pero con la canción “CREEP” de la banda de rock “RADIOHEAD” de la cual se hablará en la próxima publicación.

http://www.youtube.com/watch?v=pyZKNVfXDyQ&feature=player_detailpage


Carlos Patricio

Hang - Un Extraño Instrumento Musical

     Es un instrumento musical de percusión creado en los laboratorios pertenecientes a la compañía PANArt, Hang significa mano en idioma Bernés. Fue el resultado de 25 años de investigación científica con acero y otros instrumentos de percusión resonante por todo el mundo “mucho trabajo y tiempo para crear un instrumento ¿¿no??”.
 
Se puede tocar de varias formas: con la punta de los dedos, los pulgares o la palma de la mano, o mezclando las tres a la vez. La mayoría de las veces, el Hang se coloca sobre las piernas del ejecutante.

 El instrumento se compone de dos hemisferios de metal soldados y los lados se llaman Ding y Gu.


El lado Ding contiene 8 tonos musicales en forma de círculos que rodean a un círculo central mayor (el llamado Ding) y que tiene un sonido muy parecido al Gong. El otro lado, el lado Gu, tiene un agujero para la resonancia del sonido que se genera dentro. Es un instrumento muy portátil a pesar de su aparente volumen pero suena muy bien aquí les dejo una muestra de lo que hace:

Notas Del Himno

El 12 de noviembre de 1853 el gobierno mexicano encabezado por el presidente Antonio López de Santa Anna convocó a un concurso para escribir la letra de un «Himno a la Patria». La convocatoria ofrecía un premio «a la mejor composición poética que pueda servir de letra a un canto verdaderamente patriótico». Se fijó un plazo de veinte días para presentar el trabajo. Francisco González Bocanegra, un talentoso poeta, no estaba interesado en participar en el concurso. Razonaba que escribir poemas para la mujer amada era una cosa muy diferente a escribir la letra del himno de una nación. Sin embargo, su prometida Guadalupe González del Pino, sin desanimarse por la continua falta de interés de Francisco a pesar de la constante insistencia de ella y sus amigos para participar, decidió tomar cartas en el asunto. Usando un pretexto, guió a Francisco a un cuarto aislado en su casa, lo encerró, y no le permitió salir hasta que entregara una composición para el concurso. Dentro de la habitación en la que fue temporalmente encarcelado se encontraban diversos eventos de la historia de México que lo ayudaron a inspirarse para su trabajo. Después de cuatro horas de forzada, pero abundante inspiración, Francisco fue capaz de obtener su libertad a cambio de diez estrofas que le pasó por debajo de la puerta a su captora. Estrofas que posteriormente ganaron la competencia. González fue anunciado el ganador en el Diario Oficial de la Federación (DOF) el 3 de febrero de 1854.

Autor de la música del Himno Nacional Mexicano, Jaime Nunó nació en San Juan de las Abadesas, en el Pirineo catalán, provincia de Gerona, España, el 8 de septiembre de 1824, siendo hijo de don Francisco Nunó y doña Magdalena Roca.

Jaime Nunó fue una víctima de su creación más famosa: el Himno Nacional Mexicano. A lo largo de su vida, Nunó fue un compositor prolífico que compuso cerca de 600 obras, cuya relevancia y calidad han quedado ensombrecidas por el himno que compuso en 1854. De sus arias, misas, lieds, corales, piezas para piano o composiciones para orquesta, entre otras, sólo se conservan algunas referencias y pocos manuscritos, reduciéndose así las obras existentes a una veintena.


Nunó era líder de varias bandas militares mexicanas (denominadas bandas de guerra). Había sido invitado a dirigir estas bandas por el presidente Santa Anna, a quien había conocido en Cuba. De las pocas composiciones musicales presentadas, la música de Jaime Nunó Roca, titulada «Dios y Libertad», fue elegida como la ganadora el 12 de agosto de 1854. El himno fue aceptado el día de la independencia del mismo año. La interpretación inaugural fue dirigida por Giovanni Bottesini, cantado por Claudia Florenti y Lorenzo Salvi, en el Teatro Santa Anna.

Si el Himno Nacional Mexicano es inmortal se debe a que los mexicanos han
derramado su sangre a sus acordes en los campos de batalla y hoy, en medio
de la paz bendita, es el símbolo de la unificación mexicana.

Jaime Nunó, 1901

 

 

 

 

 

Más que un solo movimiento: El hip-hop

El hip-hop es un movimiento artístico el cual surgió de los estados Unidos a final de los 60s, principales el los barrios “populares” neoyorquinos, pero ahora ya todos lo conocen; no cualquiera lo sabe bailar esto necesita mucha practica. 

Este gran arte se define por cuatro elementos: MC, DJ/turntablism, sampling (osintetización de sonido) y beatboxing

Principalmente las personas lo bailan para soltarse, sentirse libres de poder crear algo nuevo, sentirse a gusto consigo mismos, sonreír un rato, y no dejar que nadie los critique.

Yo digo que el hip-hop es más que solo aquellos movimientos que una simple persona puede llegar a ver, es más de lo que nosotros llamamos baile, es inexplicable decir que es en realidad, es muy delicado con gran firmeza poder soltarte con coraje y dejar que el tiempo pase, en ese momento es tuyo de nadie mas, de la música, de tus propios movimientos y la importancia, sentido, sentimiento que le des a tu gran momento.

Por: Marisol Sentecal

Música Clásica

Es el nombre habitual de la música culta, académica, docta y otros. En la historia de la música y la musicología, es la música del clasicismo o período clásico (1750-1820); pero en sentido popular y de mucha aceptación en medio escrito, así lo recoge la RAE, es la música de tradición culta; sus primeras luces en Europa se sitúan aproximadamente en 1450. Existe una expresión que abarca casi todos los períodos para definir su época de mayor esplendor: período de la práctica común. 

La música clásica es una tradición musical escrita, conservada a través de la notación musical, distinto medio a la transmisión oral o por grabaciones. Si bien hay diferencias entre las ejecuciones particulares una obra de música clásica busca trascender cualquier interpretación musical de ella. El uso de la notación musical es un método efectivo para transmitir la música especialmente cultivada, dado que la música escrita contiene las indicaciones técnicas para interpretar la obra. Sin embargo, la partitura usualmente no contiene instrucciones explícitas sobre cómo interpretar la obra, aparte de direcciones de dinámica y tiempo; esto queda a discreción de los ejecutantes, quienes están y su educación musical, su conocimiento del lenguaje de la obra y el cuerpo acumulado de práctica de ejecución histórica. 

La música culta está hecha exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras músicas adjuntas a otras formas de entretenimiento (la música de cine es ejecutada a veces en salas de concierto). Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la música y el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público. Lecturas privadas de música de cámara pueden tener lugar en ocasiones domésticas más informales.

La música

La música es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.).

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los «silencios».

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo instante.

La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los segundos que ésta contenga.

La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.

El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobre tonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobre tono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobre tono, y su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía, poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina contrapunto.

La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos vecinos.

La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.

El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. 

Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.

 

Por: Ana Graciela Sánchez

Stage Diving - Deporte Extremo

Stage Diving es el término anglosajón por el que se denomina el acto de lanzarse, desde un escenario, al público. El hecho de que no exista un equivalente exacto y corto en castellano ha propiciado que en muchos países hispanos prevalezca el término inglés frente a la traducción castellana.

En este acto de masas, participan factores tales como la euforia de un directo e involucra al público, no sólo como parte de un hecho en el que el propio artista se entrega a los espectadores, sino también como metáfora de confianza. El artista, (generalmente el cantante) muestra su fe ciega en que sus seguidores no le dejarán caer y, por extensión, al grupo.

Uno de los primeros padres del salto desde el escenario, fue Peter Gabriel, fundador y cantante en la primera época del popular grupo inglés Genesis, uno de los mayores representante del rock sinfónico y que sería liderado posteriormente y en sus años más comerciales por Phil Collins. Gabriel acostumbraba a arrojarse al público tras presentar la canción The Knife, del disco Trespass (1970). El siempre teatral Gabriel fue pionero en un acto que, dos décadas después, se ha convertido en un habitual de las actuaciones en vivo. Igualmente el vocalista Iggy Pop del estilo garage fue uno de los pioneros del salto desde el escenario.

En los últimos tiempos es habitual e incluso se ha puesto de moda que sean las propias personas del público las que, eludiendo los sistemas de seguridad, suban al escenario para arrojarse sobre los asistentes. Resulta frecuente sobre todo en los conciertos de heavy metal o punk rock. Un grupo que permitió y propició la intromisión del público en el escenario fue Nirvana.

Música - Recomendaciones

Kraftwerk

Tour de France
Rumbo a 1983, la agrupación alemana de electrónica Kraftwerk, lanzó un vinil a la venta titulado como el evento deportivo más seguido en Francia: Tour de France.


La canción tiene letra en francés con una pronunciación estándar; ésta menciona los elementos constituyentes de la cumbre ciclista de Europa. Poco más de dos décadas posteriores al lanzamiento, Kraftwerk ha publicado un video que trata de ilustrar como es visto el tour de France desde diferentes ángulos, seguidos por toda la nación francesa.

Uno de los grandes pensadores franceses del siglo XX, Roland Barthes, llegó a hablar en un ensayo incluido en su libro Mitologías sobre cómo el Tour de France es el evento más esperado de todo el año. Los franceses tienden a crear toda una historia según las actitudes y acciones de los ciclistas, antes, durante y después del evento; proclaman como héroes a algunos y villanos a otros. Transcurren una veintena de días donde los espectadores crean historias entre “buenos y malos”.


Profr. Ulises Juárez

CANCIÓN: LONELY LISA

ARTISTA: MYLÈNE FARMER
ÁLBUM: BLEU NOIR (2010)

Mylène Farmer se ha convertido en todo un ícono de la música francesa a nivel internacional y es considerada como la “Madonna francesa”.

Esta canción, incluida en su octavo álbum, es muy recomendable. Pertenece al género Pop, pero tiene un toque electrónico.

El video es bastante interesante; no se limita a una sola interpretación, ya que los elementos utilizados pueden causar distintas impresiones en el espectador.

La interpretación más sencilla de la canción es la que habla de una niña que es diferente a los demás, lo que tal vez sea la causa de su soledad. Ella ve la vida de una manera muy positiva y puede que un poco utópica. En la canción el paso del tiempo parece un elemento muy importante.


Por Pamela Bazán 2ºA

Más que una Canción

Todo el que conozca de rock y solos de guitarra sabrá que Stairway to Heaven ha sido una de las canciones más famosas y no solo por la letra y el increíble solo de guitarra creado por Jimmy Page sino también por el hecho de que nunca fue publicada como sencillo y fue criticada por tener mensajes satánicos, por el lugar en el que fue escrita y otros rumores que ayudaron a que esta canción se haya convertido en una leyenda al igual que sus creadores.

Stairway to Heaven fue publicada el 8 de Noviembre de 1971 en el disco Led Zeppelin IV. Por las críticas recibidas en su tercer trabajo, Jimmy Page decidió no poner el título del álbum, ni el nombre de la banda, ni el logo de Atlantic Records. La canción al igual que el resto del álbum fue escrito en Headly Grange, una mansión al estilo victoriano y sin electricidad situada en Hampshire.

La canción inicialmente fue criticada por tener un comienzo similar al de Taurus de la Banda Spirit que había salido dos años atrás.

La letra de Stairway to Heaven fue escrita por Robert Plant inspirándose en el libro de Lewis Spence Magic Arts in Celtic Britain. En esta letra se menciona a una mujer desconocida, cuando le preguntaban a Page por ella decía que era Julie Condon pero no se sabe si de modo sarcástico o verdadero.

No obstante, no se sabe con seguridad que Page realizase rituales oscuros durante su estancia en Led Zeppelin, aunque emplease Boleskine House para organizar desenfrenadas fiestas, al igual que su antiguo propietario. Al contrario de la creencia popular, "Stairway to Heaven" no fue compuesta en esta mansión, sino que fue ideada en un principio en Bron-Yr-Aur, una cabaña abandonada en el interior de Gales que fue acondicionada por el grupo para grabar el disco Led Zeppelin III. La canción fue finalizada en Headley Grange, Hampshire, y grabada en los estudios Island de Londres en diciembre de 1970.

Las posteriores tragedias que sufrieron los miembros de la banda suscitaron rumores satánicos alrededor de esta canción, que resultó ser una de las más conocidas de la banda. Además del supuesto mensaje escondido en la grabación de la pista, la leyenda cobró fuerza con la muerte del hijo de Plant, Karac Pendra, de una extraña infección estomacal, lo que unido al accidente que sufrió el vocalista en la isla de Rodas pocos años después provocó que se extendiese el rumor acerca de la conexión entre estos sucesos y la relación hacia el ocultismo de Page.

Led Zepellin IV

 Este rumor cobró aún más fuerza con la muerte tras coma etílico del baterista John Bonham en Boleskine House, que desembocó en la separación de sus integrantes.

 A pesar de que "Stairway to Heaven" no fue nunca editada en formato sencillo, alcanzó rápidamente un sonado éxito dentro y fuera del Reino Unido, y Led Zeppelin IV consiguió situarse como el cuarto disco más vendido de la historia con más de 23 millones de copias sólo en los Estados Unidos.

Por Casandra

Profesor Fernando: Percusiones y actitud

El Profesor Fernando Zavala (música) en una presentación tocando la batería en un homenaje a un reconocido músico contemporáneo y mexicano: Salvador Merchant. ¡Bravo!